[心得]從模仿到建立起自己的歌唱技巧（四）

在模仿的過程當中，大家可以嘗試這兩種方式來增進自己的學習效果：

一、用不同的歌手唱腔技巧來唱同一首歌：很多綜藝節目喜歡叫一些善模仿的藝人，喊出誰，就得模仿誰來唱同一首歌，用在自我的練習上，也是很有用的。
二、用同一個歌手的唱腔來唱不是該歌手的歌：比方說，國歌，兒歌，或是民歌，最好是你沒聽過原唱怎麼唱的歌，試著去假想，如果是某某歌手的話，唱這首歌應該會是如何。

不妨找幾個好友，請他們聽聽看，要他們說出看法，或是錄下自己的歌聲，直接和你模仿的人比較；有時候，因為嗓音的落差比較大，那就別太刻意去拘泥在音質的相仿與否，而著重於「語氣」、「技巧」、「情感」等地方。

比方說，周杰倫的唱腔，咬字含糊，歌詞通常字數偏多，高音時用力的方式，不是硬壓著嗓子去唱，而是先讓氣息衝出去之後，自然去帶動聲帶發出聲音；楊宗緯式的唱腔，一般人可能得稍微壓著嗓子，略帶沙啞的方式，儘量用氣息去帶動聲帶的震動，同時注意他在每一句歌詞的後段會有些傳統閩南語式的輕微抖動，或是哭腔式的唱法。

諸多細節，其實都要你多去細聽，同時試著去揣摩，只有在細微處去鑽研與模擬，你才能夠真的抓到一個歌者的味道和唱腔。

最後，這個主題也差不多該做個總結；從模仿開始，最終的目的，還是得建立起自己特有的特色；這需要時間和歷練，練習和不斷的嘗試，就像是寫作文一樣，雖說「天下文章一大抄」，但綜合百家之精髓，加入個人獨特之見解，同樣可以青出於藍、更勝於藍。

切記去掌握自己的性格、嗓音的音質和特色，多方嘗試，多方指教，才能找到真正適合自己的定位。歌唱如此，人生亦不外乎如此，您說是嗎？

[心得]從模仿到建立起自己的歌唱技巧（三）

其實一個人的嗓音、唱歌的技巧，可以說是個性的延伸。

含蓄的人唱歌內斂委婉，有些人一唱起歌來，會讓你嚇一跳，那是他善於隱藏自己的性情；像阿妹、李玟、庾澄慶，天生的侵略性格，他們演唱時是要來征服人的；陳昇的天蠍座個性則讓你感到神祕、誘人、煽情而又迷人。

現在的歌唱選秀節目很多，我常有一種感覺，就是有時候這些參賽者挑歌，挑差了。挑了不適合的歌，也許是一種對自己的挑戰和突破，但誠如小胖老師說過的，突破自己，並不是去挑戰自己做不到的事情，而是去超越自己的極限，在自己拿手的領域裡面精益求精。

所以在模仿這些歌手的過程當中，你必須要去找到自己的定位，而這通常來自於你自己的個性和喜好。一個害羞內向的人，你要他唱快歌、跳熱舞，除非他血液裡本來就有這個基因，否則，你等於叫裴勇俊去當哈啦猛男，或者叫阿諾史瓦辛格去演寧采臣，或是要王菲學蝴蝶姐姐裝可愛。

每個歌手有他拿手的歌唱技巧，以及他歌聲當中，特別迷人的音質與段落；好比陳雷厚實的轉音和帶點滄桑感的適當哭腔，陳綺貞清亮不做作的嗓音，林志炫那嘹亮乾淨的高音與假音等等；在模仿的過程當中，你應當去掌握這些東西，審視自己可以做到多少，同時去傾聽自己的聲音，哪邊迷人，哪邊特別好聽，哪邊連自己聽了都會起雞皮疙瘩。

歌唱的技巧，不外乎：轉音、抖音、破音、哭腔、真假音變換、連音、拖拍、斷點、聲量變化、語氣、表情、手勢、眼神、態度這些東西；只有不斷的練習與揣摩，經年累月的累積、檢視，你才能逐漸去掌握自己的特色，讓你的歌唱感動別人。

[心得]從模仿到建立起自己的歌唱技巧（二）

嗓音是天生的，有些人聲音裡的特質非常搶眼，一方面形成個人獨特的唱腔，但有時候也會影響他的歌路；比方說，你絕對不會希望聽到蔡秋鳳演唱真善美的主題曲「小白花」，或是聽郭金發唱周杰倫的歌。

透過練習，事實上還是能夠改變一個人的聲線與發聲方式，進而去揣摩出個人的特質與風格。

有個電視節目說，「出發，總要有個方向」；唱歌，就從模仿開始吧！

首先，找一個音質跟你自己很接近的歌手，他（她）未必是你最喜歡的，但重要的是，從類似的歌手去切入，比較容易讓你找到自信。許多不敢開口唱歌的人，往往都是因為小時候被譏笑，或是沒有受到肯定，加上個性較為保守退縮，失去了鍛鍊歌喉的機會與練習，最後過了黃金時期，便也不會再去接觸、接納唱歌這件事情。

其實我一開始也不是找跟自己音質接近的歌手，主要的原因是，國中開始接觸流行音樂時，剛好正在「變聲期」。到了高中，開始碰吉他，才漸漸去揣摩自己聽過許多歌手的感覺、唱腔與習慣。我直接舉自己的例子來說：

王傑是當時非常紅的歌手，浪子般的個性，滄桑的外表與頂著嗓子的唱腔，給人一種孤僻絕冷的風格；他唱歌有點壓著嗓子，即使是不需要強調的地方，一樣唱的比人家用力；尾音壓著喉嚨，介於要破音與未破音之間，略顯沙啞卻依然清晰的聲線，營造出悲傷沈痛的氛圍。從他身上，我學到了哭腔與如何用力，如何讓嗓音破開來，然後馬上收回來。



承接當時以廣告歌曲紅極一時的周華健，從「心的方向」到「寂寞的眼」，再到後面的「朋友」、「明天我要嫁給你啦」等等歌曲，獨特的鼻腔共鳴，加上喜歡在每一句當中加入破音（哭腔），我常說他是男生版的蔡秋鳳，只不過比較沒那麼嚴重。周華健也會有類似壓嗓子的唱腔，用來詮釋歌曲的層次段落，他嘹亮而圓潤的滑音，也用在歌曲的轉音上，充足的肺活量，也讓他可以在歌曲每一句的尾段大量釋放能量，給人澎湃豐沛的爽朗感受。



伍思凱，我比較欣賞他中後期的作品，寂寞公路、你愛誰、心動了、分享、情網等等，他十分擅長營造歌曲的層次，對我來說，他是第一個我發現，會仔細去分配音色、音量、情緒在各個分段的歌手。大家可以去聽一下寂寞公路，從頭到尾都沒有太過激昂的這首歌，如何再去細分出各種情感上的起落跌宕；或者去聽一下心動了，去聽他在主歌輕柔、放鬆的唱腔，以及到赴歌奔放、毫無保留的釋放歌聲。



張學友，我那個年代的歌神，吻別、祝福、她來聽我的演唱會、每天愛你多一些、明日約定、回頭太難；他的麥克風離嘴巴很近，卻聽不太到換氣聲，不像當今許多歌手，肺活量不足便罷，那過分突兀的換氣聲總是讓我非常反感。張學友的聲音並不是非常有特色，但他的技巧、唱腔、變化、層次，足以撐起流行音樂界的一片天空。他輕唱時，如落花點點，平唱時，穩中有強弱，有時氣聲多些，有時嗓音多些，有時則是嗓音穩而氣聲漸濃，讓你如霧裡看花，卻又似在花蕊中看見露珠點點。我認為他的音色特別在，嗓音說渾厚又不是太渾厚，永遠罩著一層保護膜似的氣音在，而那氣音時薄時厚，便能幻化出種種變化。



庾澄慶，到了大學時期，我開始特別喜歡他的歌曲，獅子座的哈林，直爽、俐落、乾脆，嗓音也是如此。從「報告班長」到「我知道我已經長大」，然後是「想念你」、「靠近」、「改變所有的錯」、「春泥」、「海嘯」、「讓我一次愛個夠」、「老實情歌」、「碼頭之歌」、一個心跳的距離」、「想哭就到我懷裡哭」。。。真的是首首好聽。他是我所知道，台灣第一個唱Rap的歌手，也是我聽到第一個用假音唱歌的歌手（童安格的「忘不了」或許更早，但我是後來才聽到他的歌，當然了，更早期的「山頂的黑狗兄」就有真假音變換的唱腔，只是我都是後來才聽到）。

上述都是影響我唱腔很多的歌手，從唱他們的歌當中，去揣摩自己對嗓音的掌控與變化。其他的歌手其實還有很多，巫啟賢、優客李林、齊秦、張雨生、邰正宵，甚至你要我試著模仿劉德華、郭富城的唱腔，也可以抓個大概。

[心得]從模仿到建立起自己的歌唱技巧（一）

一直很想寫這樣的一個專題，卻因為可以寫的東西太多、太雜，一直沒有去進行；不過，總要有個開始。

首先歌唱這件事情，需要一點天賦；就我的觀察，爸媽很會唱歌的，孩子多半差不到哪裡去；而爸媽不會唱歌的，別擔心，他們只是欠缺訓練與機會。也許你會認為我在說廢話，但事實上，有更重要的一點，就是你講話、唱歌的音質。

音質，或者說嗓音，就像你的個性或是外表，很多來自於遺傳。從前廣播界有一位「李季準」先生，他的聲音，低沈而富有磁性，給人安穩、信任的感覺，這可沒辦法練的出來；演唱燒肉粽的原唱郭金發，同樣低沈而洪亮的嗓音，藉由腹部的共鳴而發出的歌聲，更讓燒肉粽這首歌能夠穿透大街小巷，勾起人們對肉粽的想望。

從以前到現在，看過許多曇花一現，甚至是人紅了，才知道他也當過歌星的藝人，他們都敗在嗓音上。沒有獨特的嗓音，就像當今許多歌唱比賽節目評審所說的，「無法讓人印象深刻」。打開收音機，聽到一首好歌，往往聽不出是誰唱的；但是，阿妹的聲音你不會搞錯，張雨生的聲音你一定聽得出來，楊培安的嗓音一聽便知，周杰倫的咬字永遠含糊，梁靜茹的甜美，五月天的奔放，黃大煒的瀟灑，戴佩妮的嬌媚，孫燕姿的純真率直，王菲的迷幻，陳綺貞的溫暖。。。。

即使是蔡秋鳳的悲情、阿杜的滄桑，我們也都聽得一清二楚。

聲音獨特，不代表聲音「好」，但「好聲音」也許吸引人，卻未必可以令人「印象深刻」。

所以在一開始，我先提這點，讓大家去思考、去傾聽，你自己的聲音，是否獨特，是否動人。怎樣的狀況下（高音、低音、輕吟、高亢等等），你的聲音會特別吸引人、感動人？什麼樣的狀況下，你的聲音會特別沙啞，或是有磁性，甚至是可以飆很高？

先從了解自己做起，然後，我們再來看下一步。

[心得]吉他講座（四）：音樂三要素

在吉他講座一當中，我提到過學習吉他的三要素，今天來講一下音樂的三要素：「音品、旋律、節奏」。

也許你會說，這我國中音樂課就學過了，沒錯，許多人都知道，也許也可以說出來，但各人體會不同，認知也會有所不同。有些聽過則已，有些則能舉一反三，諸多巧妙運用，妙不可言。

首先來談音品，簡單的說，就是音樂的模樣，他的長相、特質、個性、風格。譬如小提琴之於二胡，一樣屬於弦樂器，前者悠揚，後者沉鬱，拿小提琴來演奏悲傷的歌，特別是中國調，絕對不如二胡來的貼切；同理，拿二胡來拉快樂頌，一點都快樂不起來。不同的樂器有不同的特性，薩克斯風的煽情，長笛的飄逸，梆笛的靈巧，嗩吶的鄉俚，口琴的奔放，大提琴的沉穩，揚琴的飛揚，磬的肅穆，各有所擅，各有所短，如何在編曲當中，納入適當的音品，配合歌曲的曲風，不能不對這些樂器的特性，花上點時間體會與了解。

應用到歌聲，同樣如此；有的人歌聲嘹亮，有的低沈，有的薄弱，有的渾厚；有些擅長高音，有些中音域明亮好聽，有些人假音力道十足，真音卻平凡。二重唱的配合，甚至三人的和聲，便得在其中去取得一個很好的斡旋。就拿國內知名女子天團S.H.E.來說，Ella的歌聲如其人，略帶低沈偏男性的嗓音，在中低音時特別突出；Sellina的中音較為渾厚響亮，通常是歌曲的主唱，而Hebe的高音相對較為穩定清晰，假音也較為扎實，許多高音和聲會交給她。但其實三個人的配合還是有許多需要補強的地方，所以她們的製作人真的很厲害，懂得善用各種編曲上的技巧，適當的安排三人的穿插，加上挑歌，以及每次推片的企劃，都可以造成足夠的話題。

其次，說到節奏；節奏是音樂的骨頭，有如一個人走路的步伐，如果音樂光有旋律沒有節奏，那只會是一串不知所然的旋律起伏，有如夜鷹啼叫，或如受凍的貓狗哀鳴，曲不成調。鼓是最常見的節奏樂器代表，或譬如國人熟知的朱宗慶打擊樂隊，或是韓國著名的難打秀，都是以節奏樂器為主的演奏模式。有人說，人在胎兒就是聽著母親的心跳，夜深人靜時，偶爾也可以聽見自己的心跳聲，心跳，便也是一種節奏。

歌曲的節奏代表一首歌的快慢，但我比較喜歡說，代表一首歌兩個拍子之間的長短。什麼意思呢？一般人的心跳次數，每分鐘六十到八十次，運動員可能四十到六十次（據研究，心跳次數越慢，越長壽）；當一首歌的節奏定在60到70之間，我會說，那是和緩舒服的節奏，因為他貼近你的心跳，會讓你在聽歌時，不知不覺中將心跳融合到歌曲的步調之中。當節奏設定來到70到90之間，歌曲會稍微快過你的心跳，影響你的聽覺，間接加速你的心跳，你會有興奮、高亢的感受；反之，低於50的歌曲，會讓你心情穩下來，甚至感到低落，也不是不可能。

有些歌曲，會利用節奏的快慢變化，來達到歌曲高低潮，或是不同意境、情緒的表達，例如美國著名歌手唐麥克林的歌曲Vicent，就是典型的「自由速度」。另外一種玩法，則是拍子不變，但是每拍的彈奏音型減半，譬如原來一拍彈兩個音，突然變成整段都是一拍彈一個音，整個氣氛就會和緩下來，譬如黃舒駿的「戀愛症候群」。

最後談到旋律，如果節奏是音樂的骨架，那麼旋律就是音樂的外貌。相對於人的步伐，旋律就像一個走路的起伏、轉折，你會聽到「旋律悠揚」，卻絕對沒聽過有人說「節奏很悠揚」，你也許聽過「這是一首節奏很快的歌」，卻絕對沒聽說「這首歌旋律很快」。

按照我寫歌的習慣，我會先定好節奏類型，再去創作旋律的部份，就好像蓋房子，先架好鋼樑，再去填充灌漿，貼磚架窗。旋律怎麼玩？首先它有高低音，然後音與音之間，可以直線般的上揚或下落，也可以帶點弧度般的轉換（滑音，五線譜上會出現一個弧形的連接線）。前者多出現於正式歌曲的合唱、團唱（軍歌、國歌），後者則為主流歌曲所愛用。

從旋律再去看歌曲的編曲，則可以從主歌、副歌，乃至於橋段上的不同型態來應用。多數的歌曲，主歌平，起伏小，副歌高昂，起伏大，以營造出情感起伏宣洩的效果，如同寫文章，起、承，然後轉、合，副歌作結論，也是情感抒發的高點。有些人則會以小調起頭，副歌大調，營造出柳暗花明、雨過天晴的氣氛；或是反向操作，讓歌曲最後落於沉思之中，引人回味低盪。

回頭來說說，為什麼我喜歡說「節奏是兩個拍子之間的長短」呢？回到音樂的本質，他就是一種聲音，而聲音從物理學上去看，有所謂的波長、頻率和響度（振幅）。就人的聽覺來說，節奏事實上決定於兩個聲音點之間的「無聲時間長短」，也就是兩個聲響之間相隔的時間。因為有聲與無聲，就是聽覺效果上的天和地，如同電腦世界的「一與零」。當節奏快到一個程度，當人耳再也分辨不出音與音之間有沒有斷點（空音），那麼我們就會感覺到是一段連續的聲響，譬如小提琴、二胡、煤炭火車的鳴叫、大卡車的喇叭聲等等。

最後，如同上圖，這三者其實是相互配合，彼此影響，既對立又合作，既相等卻也可以各自凸顯。大家不妨花點時間，找首歌，仔細去聽裡面的編曲，用了那些樂器（音品），歌手的音質如何（音品），節奏的類型和主副歌間的變換，旋律的起伏編排。。。。最後又回到我之間所說的學習三要素，「音感、技巧、樂理」，今天講的算是樂理，但如果你去聽歌，去體會，去發展出自己的感受，那麼等於在提昇你的音感，同時也去認知、學習音樂人在編曲上所用的技巧，和所下的苦心。

[心得]吉他講座（三） 學習吉他的心態

還在清大吉他社的時候，即使是開中級班、高級班，來旁聽的人總還是不少；有些，甚至很單純的就是來聽課，連社費都沒有繳，平常的活動也不會來參與；當然啦，以我的立場，只要你肯學，我就願意分享自己的經驗。

大一新生剛報到時，吉他社絕對是熱門選項；動則一百多人報名，總會在一個月後呈現等比級數遞減到二十人以內，而其中，有一半是高中就已經學會的；這一半當中，又有大約將近一半會叛逃到熱音社，或是覺得沒有什麼值得學的，便沒再來了。

有時候會幫學弟妹代課，遇到新夥伴，我見面的第一堂課、第一句話，通常是：「為什麼想學吉他？」這習慣一直到了樂器行，還是沒有改變。

我曾經問，想學吉他好把妹的請舉手，結果，大概有四分之一左右會笑著舉手。這時候我就會告訴他們，目前吉他社吉他很強的男生當中，幾乎都沒有女朋友。

不過很準，單純想學會一種樂器的，或是喜歡唱歌的，喜歡創作的，最後都留了下來。

人都會因為一時的衝動而去做一件事，但是背後的動機、個人本身的人格特質、環境以及學習成本，都會影響整個學習效果和長度。吉他社絕對是個快樂的環境，但也是需要人際互動的地方，只有那些天天來社窩報到、有活動不計較一切而默默付出的人，才往往能夠獲得前輩們的指導與建議。

所以，如果你也想學好吉他，請你先想想：為什麼想學吉他？你的動機是否足夠強烈？是否足夠你持續很久？你身邊是否容易取得相關的資訊與教材？

[心得]吉他講座(二) 左手指力的注意事項

吉他是一種慢熱型的樂器，初學難上手慢，但只要過了幾個關卡，便能海闊天空；許多人初學時，往往覺得琴弦難按，手指頭會痛；等到逐漸上手，可以壓緊弦了，又覺得速度跟不上高手，其實，這時候你可能要開始調整自己用力的力道了。

由圖中可以大略的理解到，人的肌力是有記憶性的；像是你投籃的動作，從弧度到你的力道，都可以經由反覆的練習而提高準確度；投手投球也是如此，指力的拿捏，配合臂力的加速度，經由反覆練習，再由捕手手套位置、球路的軌跡去確認自己剛剛的動作、力道與角度，再次反覆、一再反覆，然後寄住投球的球感。

而按弦的左手也是如此；隨著你的練習，你會感受到一個可以壓緊弦的力道，然後你一開始會去習慣每次都用同樣的力道去壓弦；但隨著肌力的增長，其實，你當初所意識到、記住的肌力記憶，已經會讓你實際壓在弦上的力道，過多了。

太過用力會使運指速度變慢，如同拳擊選手，每次出拳之前一定得全然放鬆；因此，在每次拿起吉他熱身(指)時，不妨試著放鬆力道，一直鬆到出現雜音後，再回頭加點力道，然後去記住這全新的肌肉記憶。

[心得]吉他講座(一) 學習三要素

OK，終於要開始了，把十幾年來(想不到已經十幾年了)的心得稍微整理一下，希望對玩家們有所幫助。首先我要講的是觀念問題。

許多學吉他的人，都急著把吉他拿在手上，趕著彈出一首歌，當然這沒有錯，只是，你抱持著怎樣的心態和動機，往往決定你在吉他這條路上能夠『走多遠』。

我習慣把學習吉他的幾個要領分為三個方面：音感、樂理、技巧。三者缺一不可，有如大廈的三個支柱，當自己遇到瓶頸的時候，就會去檢視，到底是缺了哪一塊。

就拿三指法來說好了，許多人都只知道那是一套指法，於是拼命的練，好不容易練成了，如果缺了音感，可能彈奏起來就會少了點味道，即使彈對了，味道也有了，如果不知道這種指法幾乎跟Folk Rock串連在一起，並且經常會搭配許多的雙音(三度、十度)，加上雙BASS音的進行，那麼可能也會落入『空有刀槍卻不知道砍向哪裡』的遺憾。

當然啦，空有音感、樂理，卻彈不出來，那麼就像美食家，懂得吃，懂得品，也懂得製作的過程和材料，卻不會作菜一樣。所以說，這三者，『缺一不可，必須齊頭並進，相互連結』。建議大家在學習、進步的過程中，針對每一首歌、每一種新技巧、新樂理，都去檢視對應的另外兩個部分，這樣，才算是完整而踏實的學習。